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Grabando voces de fondo (VDF)
Por Dave Martin
La mayoría de las personas graban voces de fondo de la misma forma: colocamos un micrófono y un filtro, el cantante se coloca a unos 15 cm. del micrófono, y luego presionamos el botón rojo para grabar. Repetimos este proceso hasta que la pista vocal sea adecuada. ¿Cierto? Bueno, después que las voces principales están grabadas hay que considerar las abundantes posibilidades para la producción e ingeniería creativa cuando se trata de voces de fondo.
Aclaración: utilizaré el término “2 partes” para cuando hable de una melodía con más una parte armonizada. Utilizaré “3 partes” para referirme a la melodía y dos voces adicionales.
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¿Dónde van las voces?
Al grabar voces de fondo, lo primero que debes decidir es en qué parte de la canción van las voces. Mientras que la respuesta sencilla es “en dónde quieras”, ésta no ayuda mucho. Por lo cual ayuda pensar en la letra de la canción. ¿Qué partes de la letra se beneficiarían del énfasis que la armonía añadiría? Y ¿qué partes de la letra se beneficiarían al quedarse sin armonía alguna?
Es muy común tener voces de fondo a lo largo de todos los coros de una canción, y casi tan común tener VDF en ciertas partes del coro. Por ejemplo, en un coro de cuatro líneas, se suele tener las líneas 1, 2 y 4 con VDF y la tercera sin armonía.
Los versos también se pueden beneficiar al tener VDF en ciertas líneas o palabras. Otra opción sería grabar algunas líneas en unísono en vez de utilizar armonías.
Pero todo se vuelve más complicado aun: en las partes en las cuales decidas hacer armonías, ¿qué será lo apropiado, 2 o 3 partes? Si decides que 3 partes es lo apropiado, ¿cómo es la configuración? Podría ser una voz por encima de la principal y la otra más grave. O ambas más agudas. En algunos estilos musicales, armonías de 4 o 5 partes son ideales. No existen reglas al respecto, puedes tener 3 partes en ciertos puntos de la canción y 2 partes en otros. También es importante recordar que las armonías de 2 o 3 partes no tienen que ser sobre la melodía principal; pueden ser respuestas, “ooohhs”, “aaahhhs”, o cualquier combinación posible.
No olvidemos que entre las decisiones de la producción está la selección de los vocalistas adecuados para grabar VDF, excepto si estás grabando una banda que desea hacer todas las VDF entre ellos. Puedes seleccionar entre voces femeninas, masculinas o ambas; y saber que el timbre de cada voz hace una diferencia importante. Esto va mucho más allá de seleccionar voces femeninas para partes agudas y voces masculinas para partes graves. A veces la decisión se deberá basar en qué tan áspera sea la voz del cantante principal, o la velocidad y profundidad de sus vibratos.
También es importante considerar si la persona que está cantando la voz principal sería apropiada para grabar las VDF o sería mejor utilizar a otro(a) cantante. Un cantante que hace sus propias VDF alcanza un sonido diferente al que alcanzaría si utilizara a otro u otros cantantes. Dos vocalistas cantando juntos en el estudio sonarán diferentes a dos vocalistas cantando sus partes al mismo tiempo. Ambas técnicas son válidas, pero diferentes. También está la posibilidad de doblar (o triplicar) las VDF para obtener un sonido más “grande”.
No olvidemos que las elecciones que hemos hecho pueden cambiar a medida que progresamos con la canción. He grabado canciones en donde el coro tenía 2 partes en una única línea. Mientras la canción progresaba la idea era tener 3 partes al final para así llegar al clímax. Esto funcionó en esta canción en particular. Mi punto es: todo lo que hagamos tiene que ser para el bien de la canción.
Veamos ahora qué hacer cuando decidimos utilizar solo 2 partes para una sección o canción. Lo más común es hacer que el cantante de fondo cante sus parte, lo cual resulta ser suficiente en la mayoría de los casos. ¿Pero qué pasa si deseas hacer que las voces de fondo suenen más gruesas? Eso abre las posibilidades…
Doblajes
Hacer que el cantante doble su parte original (cantarla de la misma forma que la primera vez), es una posibilidad. Por lo general harías un paneo de las dos partes a diferentes lugares en la mezcla. Otro método es cantar la segunda pasada con una textura vocal diferente (más limpio, más sucio, más alto, más bajo, o a una distancia diferente del micrófono).
También existe el concepto de una pista susurrado (whisper track), en la cual el vocalista que cante encima de la pista original susurra las palabras. Si el vocalista es lo suficientemente bueno, ni siquiera escucharás los susurros en la mezcla; más bien los percibirás como si la pista original estuviese mucho más gruesa (lo cual es la intención en esencia).
Vale la pena mencionar que la elección de un micro con buena sensiblidad dinámica ayuda a que todo esto sea efectivo, y recomiendo los micros de Telefunken, fabricante que ofrece una amplio rango de estupendos micros aptos para todas fuentes (www.telefunken-elektroakustik.com).
Existen ciertos problemas potenciales con el doblaje de una línea vocal, sean en unísono o en armonía. El primer problema es lograr que el fraseo sea igual. El segundo es lograr reproducir las notas exactas de la pista original. Esto resulta ser un problema ya que es muy difícil para un cantante distinguir entre la pista que están cantando y la pista que están doblando. Hay una manera efectiva de solucionar este problema; este método funciona al trabajar con grupos al igual que con un único vocalista.
Si planeamos doblar las voces de fondo, empiezo por crear dos tracks, una paneada a la izquierda y la otra hacia la derecha. Ambos tracks tienen la misma entrada (es decir, el micrófono), y las coloco en “record mode” y grabo el primer pase de la voz, el cual se graba en ambas pistas. Ya que los tracks están paneados hacia la izquierda y hacia la derecha, el cantante oirá su voz en el centro de la mezcla. Una vez que tengamos una buena toma, simplemente tomo uno de las pistas y lo quito de “record mode” para ponerlo en “playback mode”. Al hacer esto, el track que fue grabado será reproducido en uno de los auriculares de los audífonos del cantante, mientras que la pista que se está grabando salga por el otro auricular. De esta forma, el cantante debe poder discernir cuál es cuál.
Aparte de hacer que el cantante escuche mejor lo que esté grabando, este método es mucho más rápido que cualquier otro que haya probado. Empecé a utilizar este método en los días en que aún se grababa a cinta análoga y lo uso hasta hoy trabajando en Pro Tools. Obviamente utiliza más espacio en el disco, pero cuando tengas el producto final podrás borrar las tomas innecesarias y tendrás un resultado mejor.
Doblando en la mezcla
Hay veces en que uno no se da cuenta que la armonía debió doblarse hasta que se empieza a mezclar. ¿Es muy tarde? Para nada, a pesar de que el resultado final será diferente al obtenido si un cantante hubiese doblado las partes con su voz.
Un truco sencillo es duplicar la pista de la voz de fondo y luego utilizar un plugin como Auto-Tune en la pista duplicado pero no en el original. Hacer correcciones menores a la afinación a una de las pistas pero no a la otra, cambiará la textura de las VDF.
Otra técnica es duplicar la pista, panear la original y duplicar las pistas de la izquierda y derecha, y luego retrasar la pista por un marco. En Pro Tools esto es muy fácil, puedes utilizar el control nudge para mover una pista por un marco (frame) con el toque de un botón. Si tu DAW no tiene una función tipo “nudge”, o algo similar, trata de mover la pista duplicada en unos 1/25 a 1/30 de un segundo. Esto alterará la relación de fase de dicha parte. Revisa la compatibilidad mono para asegurarte que no has hecho nada de lo cual te arrepientas más tarde. Puedes obtener el mismo resultado (o mejor dicho, un resultado similar) con un delay sencillo y corto, con la pista original paneada en una dirección y el delay paneado en la otra dirección.