EL ARTE DEL MICROFONEO:
Captura cualquier fuente con confianza
Por Boris Milan
Felicitaciones a Músico Pro por tantos años de labor apoyando la industria profesional del audio para todos los músicos y técnicos de habla hispana. Estoy muy honrado de que Músico Pro me haya pedido que escribiera un artículo con mis consejos, los cuales estarán enfocados en la microfonía en el estudio de grabación.
Mis técnicas preferidas de microfonía son en primer lugar muy sencillas. Considero que la simplicidad es la clave de capturar la ejecución del artista lo mejor posible. Además considero muy importante que la parte técnica de la grabación no genere ningún obstáculo para que el artista pueda plasmar su ejecución lo más natural, transparente y fiel al arte musical. El papel del ingeniero de audio es crear un ambiente ideal para que el cantante, guitarrista, baterista, o cualquier músico pueda ejecutar el arreglo lo mejor en su capacidad, y la captura a cinta (o a DAW) represente la mejor expresión del sonido de su instrumento. Para lograr esto voy a numerar algunas de mis técnicas preferidas en mi día a día grabando en el estudio.
Microfoneo
- Sonido para Iglesias y Templos
- Omar Alfanno, Leyenda de la canción
- Andy Summers, La carrera solista después de The Police
- ScanScore de Lugert Publishing
- Microfoneo de voces
- Peter Frampton gana premio Les Paul Innovation Award en 2019
- Consejos y técnicas para componer canciones por expertos
- Slash, Fuerza e intensidad
- Marzo 2017, Edición especial de monitoreo
- Amplificador Yamaha THR30IIA Wireless
Consejo 1: Asegurar que la mezcla de audífonos sea ideal.
La mezcla que escucha el artista en sus audífonos para ejecutar su parte musical es clave para que una sesión de grabación sea exitosa. Lo primero que hago antes de que llegue cualquier miembro de la banda o productor, es tomar el tiempo de crear una mezcla de audífonos que represente bien el arreglo musical, que el sonido sea claro y balanceado y prepararme para ajustar los niveles de los instrumentos a gusto del músico. No hay nada más molesto para un artista como que no oiga bien su instrumento en la mezcla, o que tenga elementos que distraigan su enfoque musical. Usar un audífono cómodo y que suene bien ayuda al músico a concentrase en su instrumento. Tomarse el tiempo para que los audífonos suenen bien es una inversión que se devuelve en creces en una sesión de grabación.
Consejo 2: Revisar el metrónomo / click track.
El click track o metrónomo es importante para que los músicos puedan escuchar y sentir el pulso musical del arreglo y poder ejecutar su instrumento lo más adherido posible al tempo de la canción, pero hay que tener mucho cuidado de no colocarlo tan alto que luego tenemos el problema de escuchar el metrónomo a través de los audífonos colándose por los micrófonos. ¡No hay nada más terrible que grabar una sección de violines, o de metales o una parte suave de guitarra y escuchar luego el ‘Tic Tac Tac’ del metrónomo arruinando una ejecución musical que posiblemente no se pueda repetir!
Para esto, hay estrategias que nos permiten prevenir este problema, como utilizar audífonos de cascos cerrados (como los Sony MDR7506 o los Audio Techinica ATH-M50x) evitando audífonos de topología abierta. También acostumbro automatizar el track del metrónomo, bajando el volumen en entradas musicales clave, incluso enmudeciendo el canal justo antes de que el músico comience a tocar su instrumento. En ocasiones el músico no necesita escuchar toda la cuenta completa y eliminar el metrónomo justo antes nos permite minimizar el peligro de tener el metrónomo colándose por los audífonos hacia el micrófono en los momentos más etnues. Por último, podemos cambiar el sonido del metrónomo a un pulso menos tajante y penetrante, como una clave o una campana.
Consejo 3: Mover el micrófono es la clave.
He visto que muchos ingenieros de audio jóvenes y músicos tienden a colocar el micrófono e inmediatamente correr detrás del vidrio en el cuarto de control y buscar un ecualizador apenas comienzan a probar el sonido. Como regla general yo intento evitar grabar ecualizando a menos que sea necesario. Es mucho más productivo mover la posición del micrófono o cambiar el micrófono por otro modelo para cambiar el color de captura antes de ecualizar la señal. Como regla principal hay que tomarse el tiempo para escuchar la fuente en vivo. Es decir, pídale a su talento que cante o toque el instrumento y escucha como suena dentro del estudio antes de entrar a la sala de control, eso nos dará una idea clara de lo que queremos escuchar por nuestros altoparlantes. Luego podemos saber si el micrófono que escogimos captura de manera natural y fiel todo el espectro sonoro de nuestra fuente. En muchas ocasiones mover el micrófono unos centímetros ocasiona un beneficio mucho mayor que colocar un ecualizador en la cadena de captura. Con respecto al uso de compresión en la captura, sí tiendo a incorporarlo pero eso es tema para otra ocasión.
Consejo 4: ¡Mono!
Como ingeniero de mezcla, muchas veces recibo proyectos en el que no colaboré durante la etapa de captura, y me encuentro con muchos instrumentos que fueron grabados con dos, tres y hasta cuatro micrófonos sin necesidad o sin tomar en cuenta el contexto de dicho instrumento dentro de el arreglo musical. Es importante tener en cuenta cuál es el objetivo de cada instrumento en el contexto de el arreglo musical. Por ejemplo, si estamos grabando una guitarra acústica rítmica y sabemos que la vamos a grabar doblando la guitarra por segunda vez colocándola paneada en derecha e izquierda, no es necesario grabar esta guitarra con dos o tres micrófonos, el hecho de que hay dos guitarras paneadas opuestas (derecha e izquierda) hacen que en efecto estas guitarras están en estéreo, por lo que es mas lógico y crea más impacto grabar cada una de ellas en mono. Muchas veces un instrumento grabado en mono es más contundente y corta mejor en la mezcla que colocándola en estéreo.
Mis micrófonos favoritos
Vivimos en una época realmente especial en lo que se refiere a micrófonos y grabación. Hoy día tenemos muchas más opciones de micrófonos que suenan increíblemente bien a precios muchísimo mas accesibles que hace 10 años. A continuación les presento un lista de micrófonos que me han dado muy buen resultado organizada según la fuente sonora a capturar.
Voz
He tenido la suerte de grabar en muchos estudios estupendos con un gabinete de micrófonos increíbles. He usado clásicos como los Neumann U47, U67, U87, y AKG C12 entre muchos otros. Estos micrófonos llamados vintage por ser considerados antiguos pero muy buenos, tienen un valor hoy día prohibitivo para cualquier estudio casero o de medios módicos, pero eso no significa que no se puede capturar un sonido profesional con micrófonos de un valor más modesto. Algunos modelos a considerar son:
Shure SM7b: Un micrófono dinámico que cada vez que lo uso me sorprende lo bien que suena en la voz. No es siempre necesario utilizar un micrófono de condensador en el estudio para que suene con calidad profesional. Por citar un ejemplo sobresaliente, Michael Jackson utilizó un SM7 en varias canciones de su álbum Thriller.
Neumann TLM103: Ya van más de 20 anos de que este micrófono de “presupuesto módico” salió y ha sido utilizado en infinidad de grabaciones.
Mojave MA200 y MA300: Estos micros ofrece son de muy buena calidad y representan una buena relación costo – beneficio.
Vanguard V13: Excelente micrófono de válvulas (bulbos, tubos o tubes en inglés).
SE Electronics sE2200: Ofrece una calidad increíble por el precio.
Shure SM58: Sí, ¡el viejo ‘caballo de batalla’ de la escena en vivo puede ser usado en el estudio! Y ofrece muy buenos resultados.
La idea de esta lista es expresar que no necesitamos un micrófono que cuesta más que nuestro carro para poder capturar voces que suenen profesionalmente grabadas. Es más importante la ejecución del artista que los instrumentos usados para capturar esa ejecución.
Guitarra acústica
Mi método usual para guitarras acústicas es usar dos micrófonos de condensador de diafragma pequeño en método XY, usualmente los Neumann KM184 dan excelente resultado, pero he usado los SE Electronics sE8 (que son mucho más accesibles económicamente) muy satisfactoriamente.
Guitarra eléctrica
Mi método preferido es un Shure SM57 pegado a la malla del amplificador de guitarra. Ocasionalmente coloco un segundo micrófono de condensador justo al lado para mezclar los dos a gusto y brindando un poco más de brillo si así lo deseo. Y según el caso puedo incluir un micrófono de ambiente.
Redoblante (tarola, caja, snare)
Típicamente uso un Shure SM57 o Beyerdynamic M201 TG junto a un condensador Shure SM81, literalmente pegados uno al otro con cinta adhesiva para evitar problemas de fase. El cuerpo del redoblante viene del Shure SM57 y el brillo y ponche lo aporta el SM81. En la fachada inferior del redoblante coloco un Shure SM57, y me aseguro de revisar que la fase sea coherente al micrófono superior.
Kick (bombo)
Simple… un AKG D112 o similar dentro de la boca del cuero mirando el mazo del pedal.
Toms
Típicamente uso Sennheiser MD421, ¡son un clásico! Pero también he experimentado con el CAD M179, que son micrófonos de condensador ¡muy económicos y suenan increíblemente bien en toms!
Platos y ambiente
Típicamente uso dos micrófonos de condensador en posición XY de manera que den una representación estéreo balanceada del juego de batería. Ocasionalmente puedo experimentar con dos micrófonos de condensador (Neumann U87 o TLM103) espaciados equidistantes del redoblante. He usado dos micrófonos de listón (ribbon) con éxito, depende mucho del estilo musical y contexto del arreglo. Los micrófonos de listón presentan un patrón polar de figura 8 (bidireccional) que ayuda a capturar el ambiente que proviene reflejado del techo de la sala que brinda una imagen cálida y abierta del salón de grabación.
Violines o cuerdas
El secreto de grabar una sección de violines es microfonear la sala de grabación y no enfocarse en los instrumentos individuales. Típicamente podemos grabar una sección grande de 20 a 26 cuerdas con 9 o 10 micrófonos de condensador, un par estéreo al frente de la sección, un par estéreo en el centro del salón, cuatro micrófonos más enfocados en los grupos (primer violín, segundo violín, viola, etc.) y un par de micros cercanos de condensador dedicados a los cellos.
El 80% del sonido lo proveen los micrófonos de ambiente, por eso es importante que la sala suene balanceada y no haya ruido externo como tráfico automotor o ruido de aire acondicionado, también la distribución de los músicos es importante porque en efecto son el balance final de cada sección y de como será representado en la captura. ¡Cuidado con el metrónomo!
Metales
Muchas veces escojo micrófonos dinámicos para grabar metales (Sennheiser MD421 o Electro-Voice RE20 por ejemplo), colocados cercanos a la fuente en combinación de un par de micrófonos de condensador en posición XY para capturar la imagen estéreo de la sala. Este es el mismo concepto de las cuerdas y violines, hay que enfocarse en la sala más que en los instrumentos individuales. Esta técnica brinda un mejor resultado y un sonido más natural que colocar un micrófono cerca de la boca de una trompeta.
En este artículo quise compartir mis aplicaciones típicas de técnicas de grabación y micrófonos que han dado un resultado satisfactorio en mi experiencia, esto no significa que otras marcas, modelos y técnicas de micrófono no sean valiosos. Los animo a experimentar con lo que ya tienen y probar nuevas técnicas para innovar y mejorar el sonido de sus proyectos.
Muchas gracias a Músico Pro por invitarme a colaborar y espero que mi experiencia pueda ayudar en algo a los lectores.
Boris Milan es un ingeniero de sonido venezolano radicado en Florida, que ha trabajado con Shakira, Carlos Santana, Ricardo Montaner, Fonseca, Plácido Domingo, David Bisbal, Jerry Rivera, Erika Ender y Luis Fonsi.