MEZCLANDO EN EL ESTUDIO:
Aprende los “secretos” de la mezcla de audio
Por Bill Stunt
¿Qué hacer cuando uno está mezclando en el estudio? Parece que hay una corriente de pensamiento entre los músicos principiantes de grabación (¡y muchos que no son principiantes!) que de alguna manera se produce una gran mezcla de audio debido a alguna alquimia secreta de audio conocida solo por unos pocos. La verdad es que una gran mezcla no es un misterio. La mayoría de las veces es el resultado de mucha escucha crítica y habilidad aplicada. Es cierto que algunos ingenieros parecen más dotados que otros, pero eso es mayormente una función de devoción al oficio.
Voy a compartir con ustedes algunas recursos que he aprendido mezclando en el estudio a lo largo de los años, trucos que me ayudan a cerrar la brecha entre mis oídos y mis manos con las perillas. Ninguno de los consejos que compartiré califica como secreto, bueno, tal vez uno que compartiré al final, pero espero que todos pasen la prueba de ser buenos consejos.
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1. La mezcla debería comenzar mientras grabas
Tener pistas con gran sonido es, indiscutiblemente, el factor más importante en una buena mezcla. Además de asegurarte de que las pistas suenen bien individualmente, deberías estar confirmando, mientras grabas, que las pistas encajan bien juntas como un todo. Puedes lograr esto al ir construyendo una buena mezcla de monitores para escuchar mientras trabajas. La mezcla de tu monitor debería tener una buena ganancia, con niveles conservadores y un ojo en el nivel maestro. Si lo haces, proporcionarás un punto de partida decente para tu mezcla final.
Tiendo a limpiar pistas mientras grabo. Edito y agrego fades en las entradas y salidas de cada sección. Elimino todos los silencios: de vez en cuando uso gates, pero siento que la edición de forma de onda es un método menos complejo y más confiable de lograr aislamiento. Es un poco más lento pero vale la pena el esfuerzo, en mi opinión. También corrijo el tiempo y los problemas de afinación sobre la marcha. Las pistas ordenadas ayudan a crear mezclas más ordenadas.
El diseño de tu mezclador debe ser ergonómico e intuitivo. Empiezo con el bajo en la pista 1, seguido de la batería, la guitarra, teclados, vientos (si hay) y finalmente voces. Yo siempre creo subgrupos para cada una de estas secciones. Los subgrupos ayudan a administrar ganancia a la sección maestra.
Por último, configuro varios canales auxiliares con una variedad de reverberaciones y delays apropiados. Después de todo esto es que estoy listo para trabajar una mezcla seria, como se muestra en la Figura 1. Por cierto, el DAW que se muestra en todas estas figuras es PreSonus Studio One, mi DAW de elección en la actualidad, pero hay pantallas y dispositivos similares en casi todos los DAW del mercado.
Figura 1. Un mezclador DAW preparado y listo para trabajar en Studio One.
2. Ver y escuchar mezclando en el estudio
Una buena mezcla vive en muchas dimensiones. Hay profundidad de adelante hasta atrás. Hay ancho horizontal; el campo de sonido estéreo. En algunos casos, incluso hay separación vertical de altos a bajos (el audio para la realidad virtual ya está aquí, así que será mejor que te acostumbres a él.)
Puedes “ver” una buena mezcla tanto como escucharla. Cada elemento es claro y está en un lugar separado y bien definido. Esta separación es una de las cosas más difíciles de lograr. No hay un solo truco y es una cuestión de ajustar el equilibrio entre nivel, frecuencia, distribución, lugar en el campo de sonido y consistencia.
El control hacia izquierda/derecha es fácil gracias a las perillas de paneo, pero… ¿cómo podemos controlar la colocación delantera/posterior? Como veremos más detalladamente a continuación, la forma más fácil de comenzar es con una mezcla de control de nivel y cantidad de reverberación. La colocación frontal debe ser más fuerte y seca; la colocación posterior debe ser más silenciosa y más mojada (con efecto).
3. ¿Qué necesita ser escuchado?
Lo que uno desea que el oyente se centre en escuchar debe ser la cosa más aparentemente alta de volumen en la mezcla en un momento dado. Usualmente son las voces y los solos los que llaman la atención. El volumen de todo lo demás debe ser directamente proporcional a la importancia de cada elemento en la canción.
Ten en cuenta que ese elemento que demanda atención cambiará a lo largo de la canción. Un riff de teclado mientras la voz no está, o una frase de vientos entre líneas, puede ser lo más importante en ese momento. Conocer la melodía y la intención del artista ayuda a entender eso.
La automatización de nivel es tu aliada aquí. Úsala para hacer “ride” en niveles y mantener el elemento a ser enfocado por adelantado en la mezcla. Incluso las diferencias de nivel menores pueden ayudar a enfocar la atención hacia lo más importante. Es importante ajustar los movimientos de volumen. Por suerte, la forma de onda te da una visual que puedes usar para guiarte en tu edición vectorial, como se muestra en la Figura 2.
Figura 2. Una gráfica de automatización, mostrada sobre la forma de onda de la pista en cuestión. Cada punto representa un lugar donde el ingeniero ha especificado un nivel. El DAW dibuja líneas o curvas de punto a punto.
4. Separar
Utilizo filtros paso alto extensivamente al mezclar. Es una de las formas más efectivas de abrir espacio para otros instrumentos. Me gusta filtrar voces, guitarras y teclados de esta manera. Podrás sorprenderse de qué tan alto se sube en la frecuencia filtrada antes de que las voces y los instrumentos pierden carácter en el contexto de una mezcla completa. La figura 3 muestra un ejemplo: un filtro de paso alto en una voz.
Otra técnica efectiva de EQ es ajustar el extremo superior para mover una pista hacia adelante o más hacia atrás en la mezcla. Sonidos más brillantes aparentan estar más adelante, mientras que los sonidos más oscuros parecerán más profundos en el soundstage. Intenta bajar un poco de altos en las voces de apoyo y partes de instrumentos secundarios. Esto los hará parecer como si estuvieran colocados detrás de las partes principales.
Para distinguir múltiples instrumentos en el mismo rango de frecuencia, debes esculpir las pistas competidoras para que sean complementarias y diferentes a la vez. Hacer una menos brillante, extraer algunas de las frecuencias medias de otra, etc. Por supuesto, esto debe hacerse de una manera que respete lo que está grabado y los instrumentos. No siempre es fácil, y habrá una gran cantidad de prueba y error, pero el esfuerzo dará sus frutos.
Figura 3. Al poner un filtro pasa-altos en una pista vocal se remueve contenido de frecuencia baja que no es relevante para la voz, pero que podría desmejorar la mezcla.
El EQ te ayudará a limpiar rangos donde las frecuencias se agrupan. Por ejemplo, el sucio del bajo se puede filtrar entre 80 y 160 Hz. Los sonidos fangosos tienen mucha energía removible entre 150 y 300 Hz.
El EQ también puede ayudar a una pista mediocre; las frecuencias de presencia están entre 2.5 y 4 kHz. Voces cargadas de respiración y ruidos pueden atenuarse o mejorarse entre 5 y 12 kHz. La figura 4 muestra un ejemplo en el que se está ejecutando un análisis de frecuencia de una pista de bombo dentro de su plug-in de EQ.
5. Paneo
Distribuir los elementos de la mezcla en un soundstage equilibrado a través de uso de paneo permite que el ojo de la mente claramente “vea” a los instrumentistas y cantantes. Puedes abrir las cosas haciendo un paneo de instrumentos similares- dos guitarras, por ejemplo, opuestas entre sí. Si tienes elementos estéreo como patches de sintetizador, piano estéreo, etc, puedes colocarlos más hacia adentro para que no sean demasiado anchos; eso abrirá lugar para otros elementos. Considera usar reverbs mono en pistas paneadas; eso ayudará a crear espacios únicos.
Al final lo mejor será escuchar la misma energía en ambos lados de la mezcla. Puedes panear lo más bonito más a la izquierda y a la derecha que los instrumentos que llevan el peso del sonido melódico y armónico. Para la mayoría de la música popular, el bajo, bombo, y la voz principal se panearan al centro. Yo a veces coloco uno o más de estos elementos un poco fuera del centro. No siempre funciona, pero cuando se hace, puedes limpiar un poco esa posición media en la mezcla. Deja que tus oídos sean el juez; si las cosas se sienten desequilibradas es porque no están funcionando.
Figura 4. Análisis de frecuencia y EQ en el bombo.
6. Reverberación y delay
Como se insinuó anteriormente, el uso efectivo de la reverberación y el delay ayudará a lograr la separación en el espectro de profundidad del soundstage. Mientras más ambiente oiga el oído, más distante el cerebro percibe que está el sonido. Aumenta la cantidad de ambiente al aumentar la razón de reverberación al sonido directo.
También es efectivo usar tiempos de reverberación más cortos en los elementos que te gustaría sentir en primer plano y más largos para los sonidos que quieres que suenen más distantes. Combinar dos o más reverberaciones con diferentes tiempos de decay es otra técnica que debes experimentar para crear diversos grados de profundidad en tus mezclas. Los mismos principios se aplican al uso de delays.
7. Compresión
Los ingenieros a menudo dicen que intentan evitar el uso de compresión al estar mezclando en el estudio, y yo les creo. Dicho eso, también creo que la mayoría de ellos usa compresión todo el tiempo. La compresión es una herramienta muy poderosa y útil. Utilizada correctamente, puede ayudar a colocar tu pista hacia adelante y mantenerla constantemente en un lugar único en la mezcla, por lo que la mezcla como un todo parecerá más enfocada. El mismo principio se aplica al comprimir subgrupos.
La compresión también se puede usar para crear la ilusión de separación. Utilizo este método en mezclas donde tengo problemas para distinguir el bajo y el bombo. Configura un compresor en modo sidechain en el canal de bajo o de bombo; el elemento que elijas comprimir terminará siendo menos dominante en la mezcla, lo cual es una decisión musical. Luego uso el otro como el activador del sidechain. El activador (trigger) causará que el compresor de la otra pista atenúe cada vez que los dos elementos golpean al mismo tiempo. Un toque muy ligero es lo que en realidad necesitarás la mayor parte del tiempo.
La Figura 5 muestra una configuración típica, con el bombo fungiendo como una entrada sidechain para un compresor en el bajo.
Finalmente, la mayoría de las mezclas terminan con algún tipo de compresión de bus. Aconsejo no agregar un compresor de bus hasta que la mezcla esté más o menos lista. No querrás mezclar en este compresor; lo mejor es aplicarlo suavemente a la mezcla terminada… y enfatizo “suavemente”. Eso es solo para añadir un poco más de unión a la mezcla. Puede que termines aplicando más en la etapa de masterización, pero déjela como una opción.
Figura 5. Haciendo sidechain con el compresor de bajo a partir del bombo.
8. El secreto
Hace unos meses, un cliente con el que estaba trabajando hizo este comentario durante una sesión de mezcla: “No puedo entender cómo lo haces. Con cada pasada la pista suena mejor y mejor, ¡aunque parece que apenas estás haciendo algo!” Me sorprendió un poco su comentario.
La verdad es que, como probablemente puedas imaginar después de leer este artículo, en realidad estaba haciendo bastante con cada pase. Estaba ajustando los niveles relativos, la colocación del campo de sonido, el ecualizador, la compresión, la reverberación. Estaba haciendo todo eso con cada pasada, pero estaba haciendo solo un poquito de cualquiera de esas operaciones en un momento dado. Los grandes gestos y la audiología pueden ser necesarios a veces, pero la mayoría de las veces, los ajustes sutiles para mezclar elementos -en múltiples pasadas- van a rendir los mejores resultados.
Si hay algún “secreto” real para ser bueno mezclando en el estudio, es que la mezcla no es una cosa que haces una vez al final. Comienza cuando grabas, y cuando llegas a la mezcla real, es algo que haces una y otra vez, con cambios pequeños cada vez, hasta que es lo más perfecto que puedas lograr. ¡Supongo a un novato esto probablemente parezca mágico!
